Then a few weeks ago, my younger sister saw a flyer posted on the church bulletin.  My mom and her sister signed up. 

Today was their 5th class.. and it was my first..  I had an awesome time.

I don't have any personal vids of today's class, but there are lots online to check out.  There are so many different styles..

Here are a few of my favorite Zumba vids from YouTube..  :o)

First vid: This was during a dance recital. The kids in the back did a great job keeping up with her. The dance instructors (guys) kept up. If you look at the center of the screen.. you'll see the guy in a Kimono having fun.

Third Vid: Beto Perez is THE man behind Zumba. His conventions are C-R-A-Z-Y fun!

Skal lige have monteret det sidste skulderstykke/bolero som jeg har strikket til Julie. Efter den mørkebrune, var hun nødt til også at have en i lys, og det vil jeg naturligvis gerne. Den er supernem, strikkes i eet stykke og skal kun syes ganske lidt sammen. Der kommer et billede lidt senere og opskriften findes her.

Last weekend I went to what I knew would be a stylish and lovely wedding in Tribeca, at the Tribeca Rooftop. I bought an interesting dress that I was relatively excited to wear given the fact that I had literally not bought a formal-ish dress since 1999 and had not worn one since 2004. In between then and now there have been a few saris and one bridesmaid dress. This was an occasion.

After I bought the dress I immediately realized I would need some sort of a cover-up since it was at night and was supposed to be outside (though it rained and it was moved inside). Given the color of the dress and some lovely silver shoes, I wanted something armor-like, quick to make since I only had about 10 days, and very lightweight since it is July afterall.

I found the Shetland Shorty from this summer's new Knitty. With some modifications, I think it all turned out pretty top-notch.

I used Habu Textiles bamboo XS-45 in charcoal and silk stainless steel in gray for the body and the bamboo and wool stainless steel in wine for the neckline and part of the right front..
I ran out of the silk stainless with about 10 rows to go, so there's an awkward/artistic stripe at the right shoulder...but I think it was fine. I actually wish I had had the foresight to know that would look nice so I could've done it on the other side for some symmetry.

Given the threadlike weight of the yarn I used, the net-like shetland lace pattern wasn't really going to work, so I went with classic stockinette, which produced the chainmaille effect I was going for (especially with the incorporation of the stainless steel).

The fabric the yarn produced was absolutely perfect for what I wanted and was really just beautiful. The bamboo was shiny and the silvery steel gave it more dimension and an airiness. The garter stitch border using the steel was also three-dimensional in a way that "came alive" when the whole piece was done. I say that because it kind of looked ugly when I first started.

My only complaint with the whole project was picking up stitches with this yarn, weight and needle size used. It was messy. I will definitely be making other things with this yarn combination again -- but I will be knitting neckbands separately and sewing them on. Thank you Phildar for letting me know that's perfectly acceptable.

For the record, I decided as alternative fibers (steel and bamboo) they still met my "green" criteria for the year -- (the wool was used sparingly and I don't have much of an issue with silk at this point). This is despite my issues with the production of alternative fibers. I think there are better green choices, but the Habu yarns are not a bad once-in-a-while choice. Habu also has quite a few choices using vegetable and other natural dyes. Though I have not seen anything organic from them, which is more important to me.

I'm knitting the bolero from the yarn the pattern called for--cotton ease! Inexpensive and locally available. Could I ask for anything else? I'm tempted to make another one in the taupe color the designer used, but I haven't been able to make myself knit on this one. I keep messing up the lace pattern and having to frog it back a few rows.

So many people have already made Clapotis that there's really nothing else to say about it... but here's the start of mine:

I'm using some stash acrylic I've had kicking around for a while and my boye interchangeable needles to knit it up. You can see one of my first stitch markers I made in the middle! It was extremely simple to make, but I don't like too much dangling off the marker because it gets in the way of the knitting itself.

MIRTHA PÉREZ: Nació en 1945 en Caracas. Se inició en concursos de aficionados organizados por la radio La Voz de la Patria, y desde 1963 cantó en hoteles y locales nocturnos. Se integró luego como voz principal en el Trío Los Naipes, exitoso grupo musical dirigido por el famoso compositor venezolano Luís Cruz, autor, entre otros grandes temas, de la celebre pieza “Cumpleaños Feliz”, que se hizo de una fama sorprendente en la voz del también famoso tenor venezolano Emilio Arvelo (Emilio Yalnotti Arvelo), canción infaltable en los cumpleaños de los venezolanos, principalmente de los que se encuentran residenciados en el extranjero.

Con este grupo musical Mirtha Pérez obtiene un buen numero de temas exitosos y desde allí es que prácticamente se hace de una gran popularidad, que la consagra como una estupenda cantante. En 1966 grabó como solista una serie de LP llamados "Mirtha Solita", donde están varias de sus más oídas y famosas interpretaciones. Ganadora del Festival de Viña del Mar de 1968, constituyéndose ese evento como una especie de transpolin para darse a conocer universalmente. Luego consolidó su consagración como grandiosa cantante al año siguiente en Argentina interpretando "La Nave del Olvido", de Dino Ramos, en el Festival Buenos Aires de la Canción, donde obtuvo el segundo lugar., pero su interpretación se reconoce como una de las piezas mejor acabada en esa época y como la de mejor vocalización que se haya hecho de esa bella canción, convirtiendo en todo un éxito dentro de la discográfica de su país de origen como de todo los países de habla hispana. Protagonizó la película "Los Mochileros". A la grandiosa Mirtha Pérez le corresponde el mérito de haber sido la primera cantante que grabó "Caballo Viejo", la famosa canción del gran Simón Díaz, que le ha dado la vuelta al mundo en diversas versiones, tanto vocalizadas como en instrumental, correspondiedole a ella haberla difundido como todo un éxito y de donde, por supuesto, surgieron las otras vocalizaciones. Cabe destacar que esta canción, de una forma poco profesional y de un total irrespeto hacia su compositor, por presuntas condiciones comerciales, se le ha cambiado el nombre y en muchas oportunidades no se le ha dado crédito a su verdadero compositor, como por ejemplo las versiones de Julio Iglesias y de la fallecida Celia Cruz, denominándola como "Bamboleo", por solo nombrar dos casos.

Actualmente continúa activa, no solamente interpretando las canciones que la hicieron famosa, en eventos realizados en diversas ciudades de Venezuela, acompañada de otras grandes y famosas artistas del canto, como Mirla Castellano, Estelita del Llano, Neyda Perdomo y Tania, si no que es una asidua actriz en las telenovelas grabadas en Venezuela para un determinado canal de televisión. Siempre se recuerdan como sus temas de más éxitos, aparte de “La Nave del Olvido”, canciones como: "La Luna y el Toro", "Esos Ojitos Negros", "Me Hace Falta tu Calor", "Maldita Seas", "Cuando me Enamoro", "Cuando Digo que te Amo", "Acompáñame" (en dúo con Héctor Cabrera, el bien llamado “El poeta de la canción”), "Nadita de Nada", y otros muchos más. La participación de esta consagrada cantante (La Dama de la Canción) venezolana, en todos los grandes escenarios se convirtió por muchos años en una practica usual por el requerimiento que sus admiradores hacían de los grandes temas que interpretaba. Mirtha Pérez con su emblemático tema "Maldita Seas", lo podemos disfrutar en esta página como una especie de retribución como reconocimiento a todo cuanto esta inquieta y admirable mujer ha representado para el mundo de la música a nivel universal. Siempre se le ha considerado como una de las mejores intérpretes que ha dado Venezuela, siendo para muchos la mejor cantante del género romántico que ha existido. La potencia y la calidad vocal de Mirtha Pérez es bien difícil de igualar, su color, su tesitura y su fuerza interpretativa son orgullo de todos los venezolanos y de quienes son sus admiradores. Se ha sostenido que por encima de muchas otras grandes cantantes, que aunque hayan tenido buena escena, jamás alcanzaban la potencia y la calidad vocal que ella poseía. Bueno eso sin mencionar la belleza que durante su juventud la adornó, como un complemento perfecto para que siempre se luciera en todos los escenarios en los que le correspondió actuar. De la Película venezolana "La Gata Borracha", se tomaron las imágenes de Mirtha Pérez interpretando “Maldita seas”. Fuente: YouTube. Guasanco808

En esta oportunidad estamos presentando a uno de los grupos musicales más famosos de España, escuela de otras tantas bandas y orquestas surgidas en la península ibérica de acuerdo con el ejemplo que este famoso grupo supo imponer para acreditarse una bien ganada reputación a nivel universal. Lamentamos presentarle solamente un único vídeo, pero no hay más en la red, consideramos que debe ser por el tiempo en que Los Chavales grabaron y viajaron por América y otros países que ha impedido que se puedan conseguir con facilidad videos musicales de tan maravillosos interpretes de los temas románticos de hace más de sesenta años. Lo mismo nos está sucediendo con Los Churumbeles de España y con Juan Legido, que aunque si hay suficientes videos musicales de ellos no logramos obtener ni siquiera una semblanza de estos grandes artistas también españoles. La pequeña semblanza que presentamos en esta oportunidad la obtuvimos de una reseña periodística publicada en diciembre de 1999, porque tampoco habíamos logrado conseguir algo relacionado con Los Chavales de España, a pesar de que gozaron de una inmensa fama durante muchos años. En 1940, once jóvenes de Barcelona, España, y pueblos vecinos, deciden agruparse para formar banda musical con ideas progresistas, modernas, fuera del común imperante entre grupos de valor y moda entonces. Por gracia la selección entre ellos es cuidadosa, tomándose como condición primordial la virtuosidad y solidez interpretativa de instrumentos musicales. Deciden llamarse Los Chavales de España, lanzándose al arrebato de la Provincia de Cataluña y su capital Barcelona consiguiéndolo muy pronto. La tan alta calidad alcanzada a base de disciplina férrea y manera nueva, divorciada de la tradicional, de sonar los aires españoles fueron fundamentales del temprano suceso. Los once amigos con brillantez tocaban 26 instrumentos diferentes dando real sensación cuando no se veían y escuchaban de ser una enorme orquesta de 30 profesores. Parte del espectáculo en vivo eran los insólitos cambios que entre ellos efectuaban, alcanzando en una misma pieza sonoridades únicas dependiendo del número de instrumentos usados. Con este formato y estilo, después de tenerlos Cataluña como favoritos, repiten en Madrid, resto de España y Portugal, con igual resultado. Pasados siete años son contratados para hacer América, con el Caribe como puerta de entrada. Así a comienzos de 1948 debutan nada menos que El Tropicana de La Habana, Cuba, permaneciendo como atracción principal por cuatro años con pequeñas interrupciones por visitas a México, Venezuela, Colombia y otras naciones del área. Son de éxito total, graban discos, se presentan en otros cabarets famosos como el Montmatre y Capri de la capital cubana, hacen películas, entre ellas, «Ritmos del Caribe», estelarizada por Rafael Baledón, Amalia Aguilar, Rita Montaner y Susana Guízar, compartiendo escenario musical con La Sonora Matancera, Daniel Santos, Los Panchos, y dirigidos por Juan J. Ortega. Viajan presentándose por Iberoamérica pero los norteamericanos en búsqueda de fructíferos negocios y espectáculos de calidad los invitan a Nueva York, en junio de 1952, para temporada completa de verano en el Starling Room del elitesco hotel Waldorf Astoria, con casa llena por adelantado. Aprovechan y tienen participaciones estelares en programas televisivos de alta sintonía como el Ed Sullivan Shot, The Bell Telephone Hour y The Red Skelton Show, para después pasar por larguísimo tiempo en el Chateu Madrid, de Angel López, exclusiva buat tradicional de la ciudad de Woody Allen. Trabajaban de manera peculiar dada la maestría poseída al no tener líder absoluto, cada uno lo era dependiendo del número a tocar, sin embargo, todos los arreglos fueron del pianista Manolo Palos, especie de director tanto artístico como gerencial. Entre sus cantantes famosos destacó Luis Tamayo, un galán de 6 pies de alto, con tesitura de barítono. Los tenores Félix Caballero, Pepe Lara y Luis Bona, también sobresalieron e hicieron una coral inolvidable. Disciplina, disciplina, como pregonaban fue, sin duda, base del prolongado éxito en el negocio musical dejándonos más de 400 números registrados en acetatos, destacando, a mi gusto, «España Cañí», «Camino Verde», «Morucha», «Triana morena» y «Si vas a Calatayud». Los Chavales crearon escuela, sentaron herencia en Los Churumbeles de España, Serenata Española, Los Aragón, entre otros. Nos enseñaron cómo interpretar pasos dobles, boleros morunos, tonadillas, cuplés, etc., y la dicha de haberlos disfrutado. Caracas, junio, 1999-12-06. Fuente: El Nuevo Diario. Francisco Gutiérrez Barreto. 08-12-99

Este disco também teve boa repercussão para todos que fizeram parte do trabalho, rendendo um álbum solo de Rubén González, outro de Compay Segundo e um terceiro, produzido por Ry Cooder, de Ibrahim Ferrer, que foi, de longe, o membro do Buena Vista Social Club que obteve maior sucesso com o público.

O disco é um misto de salsa cubana, boleros e alguns outros ritmos naturais da própria Cuba. Algumas das músicas são reedições de antigos sucessos cubanos que ganharam nova roupagem na produção de Ry Cooder. Dada essa imensa introdução, deixo vocês com Buena Vista Social Club e seu disco homônimo e os respectivos comentários sobre as músicas. Pretendo, a partir de agora, adotar um outro modo de escrita com a intenção de abreviar um pouco os textos, que têm sido realmente gigantescos e, como o disco tem 14 faixas, imaginem só o tamanho de uma resenha como as que eu vinha fazendo.

[wp_caption id="" align="aligncenter" width="180" caption="Buena Vista Social Club"][/wp_caption]

O disco começa com Chan Chan, um belo bolero de andamento mais lento e vozes abertas por Compay Segundo e Eliades Ochoa Bustamante. Ry Cooder dá um ar americano à música com a inserção de uma guitarra gravada com um slide, se assemelhando um pouco á guitarra havaiana. É uma daquelas músicas que, nem por mais, nem por menos, é simplesmente perfeita para uma boa dança á dois. Um grande destaque da música fica por conta do trompetista Manuel "El Guajiro" Mirabal, que faz um solo lindo próximo ao final da música. De Camino a la Vereda é a música que dá seqüência ao disco e tem a voz principal cantada por Compay Segundo. É uma bela cumbia de ritmo alegre, onde já podemos destacar um alaúde que, por enquanto, vem pela tangente, fazendo uma linha secundária e também podemos perceber que Manuel "El Guajiro" Mirabal é dotado de um excelente senso melódico, conseguindo se encaixar muito bem nesta música também.

A terceira música, El Cuarto de Tula, é uma pulsante salsa cubana que, logo nos primeiros acordes, praticamente nos impõe que levantemos e dancemos. Acho praticamente impossível destacar muito acima do que o conjunto todo conseguiu fazer nessa música, as participações individuais porém, ainda assim, mais uma vez Manuel "El Guajiro" Mirabal e Barbarito Torres, o instrumentista que toca alaúde cubano na faixa anterior e que, nessa faixa, faz um solo estarrecedor em técnica, bom gosto e virtuosidade.

Pueblo Nuevo é a quarta faixa do álbum e se junta aos boleros desse disco, com a diferença de que esta é instrumental e sendo tocada num conjunto razoavelmente pequeno, se considerarmos que esta conta com apenas piano, baixo, percussão e um breve solo de trompete. Tanto os solos como os tema que Rubén apresenta aqui são muito bons e demonstram o porque dele ser considerado um dos melhores pianistas cubanos, sendo lembrado antes de alguns nomes grandes do piano cubano e sendo considerado referência máxima quando o assunto é piano afro-cubano. Dos Gardenias, que até por Maria Rita já foi gravada, é cantada por Ibrahim Ferrer e é um clássico do bolero. Nesta faixa somos presenteados com uma interpretação sentimentalíssima de Ibrahim e mais um bom solo de Manuel "El Guajiro" Mirabal.

Em Veinte Años podemos ouvir a bela voz da também “ressuscitada” pelo projeto, Omara Portuondo. Á essa altura do disco, as boas interpretações de Barbarito Torres já não são mais um choque para o ouvinte que já se acostumou a ter boas surpresas quando se trata dele. O cantor Eliades Ochoa Bustamante é o violonista e cantor da próxima faixa, El Carretero. Mais uma vez Barbarito se faz presente através de uma linha melódica de alaúde cubano muito bem composta e executada. El Carretero é uma cumbia de ritmo lento porém de vigorosa linha melódica principal e é uma das músicas onde quase todos ou todos os integrantes do Buena Vista tocam/cantam.

Candela dá continuidade ao disco e é, junto com El Cuarto de Tula, a música mais animada do disco. Em ritmo de salsa cubana bem alegre, Ibrahim Ferrer canta a descontraída letra que tem como título e refrão a unidade de medida para a intensidade luminosa e no verso, gato dançarino e rato timbaleiro estressado dão o ar da graça. Segundo próprio Ibrahim no DVD homônimo, a música foi para o disco por “incidente”. Ele conta que entre a gravação de uma música e outra eles estavam descansando no estúdio e ele começou a cantar a velha música que veio à sua cabeça por motivo algum. Ry Cooder estava na sala de técnica e, por algum feliz acaso, os microfones da sala de gravação estavam ligados, então Ry ouviu a melodia empolgante e alegre e decidiu que eles deveriam gravar a música. “Ele estava me espionando!”, comenta Ibrahim sobre o divertido episódio. Além da ótima história, da ótima música num contexto geral, Candela ainda conta com ótimas performances individuais de Manuel “El Guajiro” Mirabal, o onipotente do trompete, e do também onipotente Barbarito Torres e seu alaúde cubano.

Depois de tudo o que já foi demonstrado pelos excelentes músicos do disco, ainda podemos ouvir Rubén González em mais uma música instrumental onde o principal enfoque é seu piano, a homônima ao disco e ao nome do projeto, Buena Vista Social Club, demonstrando mais uma vez o grande músico que foi e que a idade não atrapalhava em nada seu ótimo desempenho. A música é um bolero aparentemente calmo, e assim seria se não fosse pelo desempenho impressionante de Rubén, que cria por si só muitas atmosferas no decorrer da música, enquanto o resto dos músicos mantém basicamente uma linha.

No restante do disco se encontram boleros tristes e densos, como Murmullo e La Bayamesa, e músicas que lembram pelo menos 15 diferentes influências e tem até ar meio pop, como Orgullecida, dentre uma variedade de climas e ritmos tão grande quanto o talento dos músicos que fizeram parte do Buena Vista Social Club.

A batida do martelo:

O disco é, com extrema certeza, um dos que VALE COMPRAR, assim como vale procurar pelo DVD, onde é possível ver trechos de apresentações, depoimentos e conhecer os rostos daqueles que participaram do projeto, com certeza um ótimo documentário. Segue abaixo o comentário do Terra para o documentário:

“O documentário nasceu da amizade entre Win Wenders e o músico Ry Cooder (autor de várias trilhas sonoras do cineasta alemão). Quando os dois se encontraram para finalizar a trilha de O Fim da Violência, Ry estava entusiasmado com o encontro com velhos músicos cubanos, alguns dos quais já esquecidos. Pouco depois, o CD Buena Vista Social Club foi lançado com grande sucesso. Com uma câmera digital na mão e uma pequena equipe, Wenders acompanhou em 1998 a volta de Ry Cooder à Havana e registrou a performance dos músicos no estúdio, além de recuperar histórias de vida em Havana. A filmagem seguiu em Amsterdã e em Nova York com apresentações de sucesso do Buena Vista Social Club. Indicado ao Oscar 2000 de melhor documentário, só não levou o prêmio porque estava concorrendo com um favorito: o documentário Um Dia em Setembro de Kevin MacDonald (uma impressionante reconstituição do massacre de atletas israelenses nos Jogos Olímpicos de Munique, em 1972).”

Depois de tudo isso ainda tem como ficar em dúvida. O disco é uma ótima trilha para quem quer se animar e dançar uma boa salsa, para quem quer dançar coladinho á dois ou para quem quer curtir uma fossa, tem pra todo mundo!

O Buena Vista Social Club não tem site oficial, pelo menos eu não consegui achar nenhum, porém um pouco mais sobre o projeto não é coisa difícil de se achar na Internet. Abaixo seguem três links para alguns artigos sobre o projeto:

- Wikipedia

- Bonde (ótimo artigo sobre o DVD)

- Contra Campo (artigo/resenha de quem viu de perto + análise do que o movimento pregou, ainda que inconscientemente)

Download do álbum e imagem da capa por Buena Musica Social Blog

DOWNLOAD

Create a soundscape.

You may have noticed that those cute little short jackets called boleros have started appearing in some stores, boleros are going to be a pretty cute garment to own this winter and the coming summer. Personally my favourites for the coming summer are a delicate sequinned crochet bolero and for now a cute faux fur bolero

For a casual look:
Team a sequinned crochet bolero with skinny or straight jeans and a delicate top with cute detailing such as a bow

Team a faux fur bolero with skinny or straight jeans, rich turtle neck or roll neck jumper and finish off with a beret of your choice

For a polished look:
Team a sequinned crochet bolero with wide leg pants or jeans and a pleated silk top/blouse

Team a faux fur bolero with rich, floor length gown for formal occasions

last picture source: http://www.neimanmarcus.com

Desde ahora comenzaremos a intercalar en nuestros trabajos producciones en instrumental, en razón de que existe en el pentágrama musical infinidad de temas bellísimos interpretados por dúos, tríos, grupos musicales y grandes orquestas de la manera que tradicionalmente se conoce en el argot musical como “instrumental”, interpretaciones no vocalizadas, ya que de esa forma refrescaremos un poco el blog y daremos oportunidad a los amantes del sonido romántico a que se incorporen también como visitantes de lo que publiquemos en tal sentido. Comenzaremos con un dúo que prácticamente fue precursor en la interpretación de esta clase de música en América. Se trata de Los Indios Tabajaras, dos hermanos músicos pertenecientes a la Tribu Tabajaras, que han estado haciendo historia desde 1957 en la perfecta ejecución de sus instrumentos, sus guitarras, a las que le han sacado una particular sonoridad que los ha llevado por todo el mundo para hacerse oír en la forma como interpretan la música romántica en especial. La semblanza que de estos celebres dos caballeros hemos obtenido se parece mas a un cuento fantasioso, a una novela o cuento de ficción, que otra cosa, pero eso es lo que hasta ahora hemos conseguido:

Los Indios Tabajaras, fue un dúo brasileño de guitarra, ejecutaban música instrumental de América Latina y de Europa, al principio de haber comenzado su carrera artistica, dado que luego vocalizaron, con mucho éxito, algunos de sus temas. Mussapere y Herundy, ambos hermanos, eran el tercer y cuarto de los treinta hijos de uno de los caciques Tabajara, de nombre Mitanga.

Nacidos en la selva profunda del estado de Ceará, en el noreste del Brasil. Los Tabajaras era una tribu india bastante pacífica, que vivía definitivamente apartada de la civilización de aquel entonces, quienes eran catalogados por ellos mismos como los hombres blancos, y a la vez eran considerados inferiores a ellos. Un buen día a finales de la década del treinta, los hermanos Mussapere y Herundy, encontraron en la tupida selva una guitarra, en el camino donde justamente había pasado una expedición de hombres blancos.

No sabiendo la utilidad que tenía, la llevaron a su vivienda y la tuvieron escondida aproximadamente dos semanas. Al analizar el instrumento cautelosamente y al darse cuenta que no se trataba de un arma de fuego, luego de ser vista por los demás miembros de la tribu, los dos jóvenes indígenas la siguieron estudiando mas detenidamente.

Los sonidos que emitían las cuerdas mientras sus manos la exploraban, acrecentaron aún más su curiosidad, y de una manera inexplicable, los hermanos aprendieron a ejecutar el instrumento, tomándole mucho cariño, llegando a tomar la decisión de dejar la tribu y adentrarse en la civilización de los hombres blancos, para saber el lugar de procedencia del instrumento musical.

Su punto inicial fue Río de Janeiro, y en ésta ciudad se ganaron rápidamente la simpatía del público, interpretando con sus manos inexpertas, las canciones típicas de su tribu. Un buen día un pujante empresario teatral los observó detenidamente y los contrató para una gira por toda Ameritad del Sur, la misma que duró seis años.

Luego llegaron a México, donde permanecieron una larga temporada. Tiempo después cambiaron su identidad y se pasaron a llamar Antenor y Natalicio Moreyra Lima, bajo el epíteto de Los Indios Tabajaras. A partir de ése instante decidieron dejar de lado sus presentaciones, para tomar clases intensivas de guitarra. Cada uno tomó distintos profesores. Como resultado: Antenor se especializó en el acompañamiento y Natalicio, en la melodía.

Estudiaron posteriormente a los clásicos, y pronto añadieron a su repertorio musical nativo y brasilero, la música de Bach, Beethoven, FredericChopin, Rimski-Kòrsakof, Falla y Alberniz. Luego de dos años de estudio, debutaron nuevamente e iniciaron una nueva gira por las principales salas del continente americano, esta fue continuada por una larga gira a Europa, en donde fueron aclamados después de sus magníficas actuaciones en Madrid, Barcelona, Roma, Atenas, Lisboa, Paris. Aprendieron a cantar y dominaron aparte de su dialecto, el el italiano, el alemán, griego, portugués y español, éste último intensificado durante su gira por América latina.

En 1957, los jóvenes indios fueron llevados a la RCA Víctor por el productor Herman Díaz Jr. para que grabaran un larga duración, y para realizar este trabajo se dedicaron especialmente a la música latinoamericana y melodías del Brasil. Y el feliz resultado es su primera placa con "María Elena", que tuvo más de 5,000 copias vendidas y la composición de Lorenzo Barcelata fue uno de los éxitos del año. Ésta producción llegó a ocupar el 2 y 4 lugar puesto en los cuadros de ventas... Fuente: Wikipedia.

]]> http://elblogdelbolero.wordpress.com/?p=503 Mon, 07 Jul 2008 00:05:52 +0000 Oswaldo Paez http://elblogdelbolero.wordpress.com/?p=503

Pablo Milanés Arias, nació en Bayamo, Cuba, el 24 de febrero de 1943, conocido artísticamente como Pablo Milanés, compositor, cantante, guitarrista y cantautor. Está considerado como uno de los fundadores de la Nueva Trova Cubana, junto con Silvio Rodriguez y Noel Nicola. Numerosos artistas han colaborado con él, entre los que destacan el mismo Silvio Rodríguez, Joaquin Sabina, Ana Belén, Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Los Van Van, Lilia Vera, Caco Senante, Ismael Serrano y Luís Represas. De entre sus muchas canciones, son especialmente famosas: “Yolanda”, “Yo me quedo”, “Amo a esta isla”, “El breve espacio en que no estás”, “Cuánto gané, cuánto perdí”, y la inolvidable “Para vivir”.

El feeling es un estilo musical que se inició en Cuba en la década del 40 y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influenciado por las corrientes norteamericanas de la canción romántica y del jazz. El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores, para establecer la comunicación o "feeling" con el público. Como intérprete, Pablo Milanés se incorporó posteriormente al cuarteto denominado Los Bucaneros, con quienes colaboró en sus primeros trabajos.

También probó suerte como solista ocasional, diversificando de esta manera sus experiencias que más tarde le llevarían a trabajar en solitario. Publica "Mis 22 años", considerada por muchos el nexo de unión entre el feeling y la nueva trova cubana, incluyendo nuevos elementos musicales y vocales que serían precursores de la música cubana que vendría después. La colaboración con Los Bucaneros alcanza hasta 1966.

Se incorpora al servicio militar obligatorio. Era la época de la guerra de Vietnam y Pablo Milanés comienza a tomar partido por las causas que él consideraba justas desde su particular punto de vista personal, surgiendo en sus temas el reflejo y la preocupación por lo que le rodea. Pablo Milanés ofrece su primer concierto con Silvio Rodríguez en La Casa de las Américas. Esta sería la primera muestra de lo que más tarde, surgiría como movimiento musical popular, la nueva trova. En ese mismo lugar Pablo Milanés iría conociendo a los miembros de la elite cultural y musical de otros países americanos con los que Pablo compartía sus preocupaciones sociales.

Violeta Parra, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Vinicius de Moraes, Milton de Nascimento, Víctor Jara, entre otros muchos, pasaron por la casa de Las Américas en aquella época. Como compositor, Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción protesta a finales de los sesenta. Ha pertenecido al Grupo de Experimentación Sonora y ha compuesto temas para el cine. A través del GESICAIC, tanto Pablo Milanés como otros destacados músicos cubanos, incluyendo a Silvio Rodríguez participan en un taller creativo donde se formaba a jóvenes talentos cinematográficos cubanos enseñándoles lo mejor de la música cubana, que posteriormente quedaría plasmado en una generación de cineastas que fundían a la perfección música y cine.

Esta etapa de Pablo Milanés abarca desde finales de los sesenta hasta mediados de los setenta, y va repleta de buenos temas del artista: "Yo no te pido", "Los años mozos", "Cuba va" , "Hoy la vi", "Yolanda, "No me pidas", "Los caminos", "Pobre del cantor", "Hombre que vas creciendo", "Yo pisaré las calles nuevamente", etc. Pablo Milanés forma su propio grupo, con la colaboración de varios amigos que estuvieron con él en el GESICAIC. Esta etapa de Pablo Milanés se caracteriza por la riqueza de los recursos musicales utilizados y por la variedad de los géneros entremezclados, aunque sus contenidos siguen teniendo un fuerte trasfondo social. Un álbum importante en la vida de Pablo Milanés fue el titulado "Querido Pablo", un disco homenaje grabado con algunos de sus grandes amigos, y en el que participan gente de la talla de Víctor Manuel y Ana Belén, Luis Eduardo Aute y Mercedes Sosa, entre muchos otros. Este disco tuvo una secuela en 2001, que llevaba el título de "Pablo Querido". 20 años después, un buen puñado de artistas se vuelve a reunir para cantar al son de Pablo Milanés. En esta ocasión, además de amigos "clásicos" de Pablo, se unen artistas de la nueva música pop, como Fher, el cantante de Maná, Marco Antonio Muñiz o Armando Manzanero.

]]> http://elblogdelbolero.wordpress.com/?p=451 Thu, 03 Jul 2008 22:40:23 +0000 Oswaldo Paez http://elblogdelbolero.wordpress.com/?p=451

Si de algún cantante nacido en Venezuela puede decirse que le llegó la gloria temprano (ligeramente más temprano que la muerte), ese fue Cherry Navarro (Alexis Enrique Navarro Velásquez), quien vio la luz en Caripito, Estado Monagas, Venezuela, el 7 de julio de 1944, y un 28 de septiembre de 1967 los venezolanos entraron en una tremenda nostalgia depresiva por la repentina desaparición de este joven cantante de baladas y de melodías tradicionales, quien rápidamente se había convertido en todo un ídolo, consagrándose a tan temprana edad como una futura gran estrella del canto popular. El recuento de su vertiginoso ascenso a la fama puede resumirse más o menos así: llegó a Caracas procedente de Caripito, ciudad ubicada en el oriente del país, un día le dio por cantar frente a todo el que quisiera escucharlo y ya no hubo quien se le resistiera.

A los 21 años de edad ya había grabado gaitas, probado fortuna con la orquesta Los Melódicos, a la postre una de las más populares de Venezuela; se hizo amigo inseparable de un cachorro de puma llamado José Luis Rodríguez, destrozó con la mansalva de su sonrisa humilde e irresistible cuanto portón se interponía entre él y el llegadero al estrellato, y en 1966 las chicas de Venezuela tenían ante sí un terrible dilema por dilucidar: enamorarse de Felipe Pirela o desvanecerse por Cherry Navarro. Parece que éste le sacó algo de ventaja; la prensa farandulera se dio banquete divulgando la noticia de su romance con una tal María de Las Casas, Miss Venezuela 1965 y una de las mujeres criollas más apetecibles de esos años. En 1967 apareció en el Show de Renny, allí donde sólo llegaban los ungidos, los consagrados de la música. Era el Olimpo de la televisión, la verdad de la fama y el prestigio.

El muchacho no llegaba a 24 años y ya había coronado más éxitos que cualquiera en el doble de tiempo. Y nada que perdía la jovialidad ni la sonrisa franca de todo natural de Caripito. Promediando ese año grabó una pieza en un género musicalmente inclasificable, cuya letra pertenece a Luis Eduardo Aute: “Aleluya”. Todo el mundo la cantaba o tarareaba en las calles, y el grito aleluya nunca fue más oportuno para Caracas que en aquel 29 de julio espantoso, cuando la ciudad quedó desgarrada por un terremoto.

Y la gente repetía, convencida de que la voz del Cherry no hacía sino musitar una premonición: “Una lágrima en la mano un suspiro muy cercano una historia que termina una piel que no respira una nube desgarrada una sangre derramada: ¡Aleluya! quince gritos que suplican una tierra que palpita...”.Pocas semanas pasaron antes de que el público adorador comprendiera en su exacta magnitud la cosa pavorosa que quería anunciar la canción: lo que venía oculto en el terrible equipaje de esa canción hermosa no era el temblor planetario que enlutó a Caracas sino la muerte del propio cantante. Como todo en su vida, sucedió rápido, cual relámpago: un día ingresó al hospital Vargas porque estaba indispuesto y tres días más tarde salió un médico anónimo a explicarle a un país estupefacto que a Cherry Navarro lo había fulminado una dolencia llamada aplasia medular, como si con ese postrer diagnostico le sirviera para difuminar el sufrimiento de quienes disfrutaron su arte y su espectacular juventud, que asombrados observaban como una persona que acababa de alcanzar la gloria suprema pudiera desaparecer de un solo golpe y porrazo. No se diga más: Fuente: LA MUSICA DEL DUQUE: http://duquemusical.blogspot.com/2006/05/cherry-navarro-aleluya.html

Como en Internet no logramos encontrar la biografía o una semblanza biográfica de la extraordinaria cantante de bolero, de origen peruano, Vicky Jiménez, de las que nos habían pedido en varias oportunidades que le construyéramos su particular y personal página. En tal sentido solicitamos ayuda de nuestros visitantes y fue así como gracias a la gentil colaboración de la señorita Celia Hernández Macedo, en una de sus visitas a nuestro blog, quien nos indicó donde podíamos encontrar datos biográficos de esa excelente cantante; y fue así como a acudimos a YouTube, de donde obtuvimos la semblanza biográfica que transcribimos, con algunas observaciones, y que a continuación se inserta, agradeciendo a quien la publicó, pero sin poder hacer lo mismo con quien hace la narrativa en ese vídeo de los datos que hoy llenan esta página, ya que no se identifica a la persona que lo hizo.

Hace aproximadamente como veinte años apareció en el firmamento artístico peruano una dama bastante joven, quien respondía al nombre de Maria Victoria Delano Jiménez, con una agraciada figura y una cara de muñequita traviesa. Comenzo sus andares artístico en una esfera contrapuesta a lo que posteriormente la haría conocer en todo el Perú y la lanzaría al estrellato de la música romántica popular, tanto nacional como internacionalmente. Es así como debuta con gran éxito en los escenarios de la capital peruana, Lima, cultivando un difícil y muy refinado genero, como es la lírica, interpretando temas de grandes operas y de muy famosas zarzuelas en el Teatro Municipal, siempre al lado de su tía, la famosa soprano Ana Maria Parodi.

Desde ese refinado escenario su exquisita, muy bien timbrada, melodiosa y fascinante voz se fue inclinando hacia un genero más cadencioso, más romántico en su expresión, más sensible, y, lo que es más importante, al alcance de todos los peruanos, como lo es el bolero, que ella supo interpretar de una forma armoniosa, sentimental y particularmente hermosa. Ya habiendo cosechado algunos éxitos y habiéndose hecho conocida a través de la difusión de sus canciones por las emisoras radiales, una disquera se interesó en ella y procedió a contratarla, donde la bautizaron con el nombre artístico de Vicky, por Victoria, y Jiménez, por su señora madre, la excelente compositora y poetiza Mery Jiménez Fernández. Desde ese momento se convertiría, para regocijo y beneplácito de todos los peruanos, en Vicky Jiménez “La Muñequita del Bolero”.

Pero hay que dejar sentado algo que la califica como artista, ella es muy querida tanto en su patria, Perú, como en el extranjero, principalmente respetada por su demostrado profesionalismo para dedicarse a la carrera que escogió; por su especial sencillez, sin que jamás se le haya visto fingir poses ajenas de lo que siempre ha sido su personalidad; por su denotado amor hacia los demás, demostrado en cada oportunidad que se le ha presentado; por ese profundo sentimiento que le impone a sus canciones; por el dominio escénico que aprendió desde que actuaba en el Teatro Municipal de Lima y que, además, le viene de los genes familiares, donde hay grandes artistas en diferentes facetas del arte y del la cultura; y, como complemento a todo ello, el acompañamiento siempre de su sonrisa contagiante y genuinamente expresada, que le marca un simpático hoyuelo en su hermoso rostro. Vicky Jiménez recientemente estuvo celebrando sus primeros veinte años de vida artística profesional y todos sus admiradores, tanto peruanos como de otros países, nos sentimos muy orgullosos de lo que ha representado esa maravillosa interprete del bolero, por sus bien ganados y merecidos meritos, que devienen de ser una mujer tesonera, luchadora, constante, segura de si misma, que ha sabido dejar muy en alto el gentilicio de su país de origen en todos los escenarios en que ha actuado con un muy bien reconocido éxito.

Vicky Jiménez, entre uno de sus tantos logros artísticos, tiene el muy particular, personal, profesional, único e inigualable por siempre, de haber sido la primera cantante sudamericana que interpretó sus canciones al lado de la famosa orquesta cubana La Sonora Matancera, espectáculo que se escenificó en los Estados Unidos, así como en el propio Perú. Luego de tan extraordinaria experiencia Vicky Jiménez, como una forma de extender sus horizontes musicales, comienza a identificarse con la música mexicana, hasta el punto de que dirigió su propia revista musical integrada por miembros de su propia familia, conformando el ballet folclórico “Jarabe Tapatío”. El éxito de Vicky Jiménez, como interprete del genero musical romántico ha alcanzado tales dimensiones que la prensa escrita y hablada no ha escatimado de ninguna forma palabras para ponderar su carrera artística, colocándola en un lugar privilegiado en el estamento artístico nacional e internacional, y premiándola por diez años consecutivos con el máximo trofeo otorgado en el Perú por el Circulo de Cronistas del Perú (Circe), denominándola como la primera bolerista del Perú, aunque para todos sus seguidores, admiradores y simpatizantes, sigue siendo “La Muñequita del Bolero”.

Vicky Jiménez durante su transitar artístico ha grabado más de 250 canciones. Temas de compositores famosos nacionales e internacionales, como: Juan Gabriel, Manuel Alejandro, Jose Alfredo Jiménez, Roberto Cantoral, Alfredo Gil, Antonio Martell, Hugo Nausada, Mery Jiménez Fernández, Napo Tovar, entre otros. Hay que destacar que Vicky Jiménez, dentro de sus andanzas musicales a nivel universal, no hace mucho tiempo retornó a su patria luego de una extensa y muy exitosa gira iniciada en Europa. Países como Francia, Italia, Alemania, España, Suiza, disfrutaron de sus bellas interpretaciones y aclamaron su gran talento. Esta gira musical culminó en los Estados Unidos de Norteamérica, en las ciudades de San Francisco, Nueva York, Nueva Jersy, Miami y Las Vegas. Una vez más Vicky Jiménez dejó muy en alto el nombre de su querida patria, Perú. Esa gira constituyó como una especie de celebración de su vigésimo aniversario de vida artística profesional, paseando su extraordinario talento por diversos países del orbe. Fuente: YouTube ceciliacabrera123

]]> http://morirempecorenere.wordpress.com/?p=550 Tue, 01 Jul 2008 07:28:27 +0000 giafai http://morirempecorenere.wordpress.com/?p=550 Dicevo, il concerto è andato bene!

Ierisera tradizionale concerto della Banda Città del Palio in occasione del Palio del 2 luglio. Nel fantastico scenario di una Piazza del Campo vestita a festa, pronta per la carriera, la cittadinanza è stata allietata da un concerto di circa 2 ore conclusosi con un bel valzer collettivo. Ad allietare la serata, oltre la banda, c'era il corpo di ballo della Compagnia di Balletto "Centro Studio Danza". Le tre ragazze hanno ballato un emozionante tango sulle note di Libertango di Piazzolla, il Bolero di Ravel e il Valzer "Tesoro mio" del compositore Becucci di Radicondoli, riuscendo a coinvolgere anche il pubblico.

Questa, più o meno, la cronaca. A margine, la mia serata è stata resa alquanto nervosa dalla presenza decisamente invasiva di un microfono... Nella parte iniziale del Bolero si susseguono i 2 temi del solo eseguiti ogni volta da uno strumento diverso. Tra gli altri è toccato anche a me e così chi si è occupato di sistemare i microfoni ha visto bene di piazzarne uno tra me e il mio vicino (sax tenore, anche lui fornito di solo)... finito il mio solo, avevo le palpitazioni... :S

Comunque è andata bene, almeno non ho sbagliato note... Beh, Ila (ma lei è di parte) ha detto che ho suonato bene..in ogni caso son sopravvissuto!!

Ah, tanto per non riposarsi troppo, a parte domani il Palio, sabato la Signoria del Bruco e domenica concerto a Massa Marittima col Gruppo Strumentale "MusicaViva"... domenica ci sarebbe anche il Corteo del Bruco, ma non mi hanno fornito del dono dell'ubiquità, per cui...

Para quem já está cansado de tricotar chachecóis, mas ainda não quer se aventurar pelas receitas mais complicadas, sugestão: que tal um bolerinho de tricô? Simples, é quase como tricotar um cachecol, só que depois você costura! Vamos lá!

Tamanho: 38

Material: 1 novelo da Linha Cléa (1000m) da Círculo; 1 par de agulhas para tricô 6mm.

Pontos empregados: ponto cordão de tricô - todas as carreiras em ponto tricô. Barra 1/1: 1m., 1t. (carr. acompanham os pontos). Ponto meia: direita em meia, avesso em tricô.

Modo de fazer: Faça a peça usando o fio duplo. Monte na agulha 49 pontos. Trabalhe em barra 1/1 até a 14ª carr.. A partir da 15ª carr., trabalhe em cordões de tricô. A 66 cm do começo, faça novamente o ponto barra 1/1 por 14 carr. Arremate. Com pontos invisíveis, costure as laterais, parte superior e inferior da faixa por 38 cm, deixando uma abertura de 28 cm para o encaixe dos braços.

Capuz: Monte 62 pontos na agulha e trabalhe em ponto meia. A 33 cm de comprimento, arremate todos os pontos. Dobre o capuz ao meio na largura e costure para fechar. Costure a base do capuz em volta do decote.

Para abotoar, faça uma alcinha de cordão torcido ou correntinha para passar no botão do outro lado. Se souber crochê, faça uma carreira de ponto caranguejo ou baixo em volta pra dar um acabamento mais firminho. Mas mesmo sem o crochê já fica lindo.

O bolero fica larguinho mesmo e, se você quiser, dá pra fazer com lã também Só escolha uma macia (a Macarena, da Aslan, fica bem parecida com a da foto) um pouco mais fina, que dê pra tricotar com agulhas 6mm.

Boas tricotadas!!

 Ruby Tuesday

I encourage you to look over his many other pieces. Check out our store to buy pieces: https://www.guitarcentermusicfoundation.org/store/

Refer to website that information from the above: http://www.saatchi-gallery.co.uk/yourgallery/artist_profile/a/77527.html

Igår kväll var det stor galaföreställning på National teatern här i stan. Hemmasonen José Antonio Molina var på besök. Annars har han världen som arbetsfält, med ett postnummer i Miami, som chefsdirigent åt Greater Palm Beach Symphony. Molina är alltså Dirigent och gästade landets Symfoniorkester och framförde ett varierat program som kallades Mosaico Sonoro de la Dominicanidad (ungefär: En Skönklingande Mosaik i Dominikansk Tappning).

Och programmet spände över ett brett musikområde - från Gershwin, Piazolla och Ravel till Dominikanska Merengue och Romantiska potpurrier. Spännande faktiskt och mycket upplyftande för en svensk i främmande miljö. Slutklämmen var Ravels´s Bolero. Den som han komponerade, sägs det, för ballerinan Ida Rubenstein nån gång under det glada 20-talet. Det sägs också att han, Ravel, led av Afasi när han skrev den - nån sorts hjärnskada som lär kunna förklara strukturen hos denna Bolero. Nån lär ha sagt att hans Bolero är “orkestermusik utan musik”. Fast visst är det musik - två teman som repeteras i det oändliga, starkare och starkare, uppburna av en envis rytm som är densamma hela tiden. Och Symfoniorkestern framförde den med den äran. Kan rekommenderas å det varmaste!

Med tanke på gårdagens extravaganser i fråga om musik, var det väl bara rätt åt mig att få mig en riktig bastu denna morgon. En form av hjärntvätt inför morgondagens jazzupplevelse.

Nyheterna idag domineras av problemen som kommer sig av den olagliga invandringen från Haiti. Dom blir fler och fler och de samlas vid gatukorsningar och tigger och är allmänt störande. Och det smugglas friskt, allt från vapen och narkotika till unga kvinnor och barn. I takt med att Haiti blir bara sämre och sämre svämmar gränsen över och det börjar jäsa bland vanliga Dominikaner. Någon lösning finns väl egentligen inte utan att Haiti hjälps på fötter. Om landet överhuvudtaget kan räddas vet jag inte, men människor har i alla tider sökt utkomstmöjligheter, och för Haiti flyktingarna ligger Dominikanska Republiken nära till hands. Men räddas inte Haiti undan katastrofens brant, så blir landet snabbt ett nytt Somalia. En allvarlig riskfaktor för hela regionen. Men världen tycks inte vara intresserad. Och USA har annat att tänka på..... Presidentvalet t.ex.

Men om sanningen skall fram, så bär nog DR en stor del av ansvaret också. På samma sätt som t.ex. Agroindustrin i Texas och Kaliforninen domineras av underbetalda illegala immigranter från främst Mexico, så har även den Dominikanska Agroindustrin utnyttjat illegala (och legala) immigranter från Haiti. Så även byggnadsindustrin. I stor skala.

Men att peka finger hjälper ingen. Nu gäller det att finna en lösning på ett allvarligt problem. Men det nödvändiga klimatet för kreativa lösningar finns ännu inte på plats. Under tiden skall jag koncentrera mig på mina morgonrundor - ute i det fria och inte på gymmet.....

Manuel Alejandro es el compositor de la era moderna de la música, de la balada romántica, el que le habla al amor de diferentes formas, el que interpreta los grandes sentimientos y los hace música, el que pone su arte a disposición de grandes interpretes de la canción romántica, que ha trascendido de una forma altamente positiva y que es reconocido mundialmente a través de sus embajadores, que no son otros que los propios cantantes que han sabido interpretar sus bellas melodías. En este segmento, en donde se le rinde tributo a tan insigne compositor español, se insertan varias de sus composiciones interpretadas por diferentes y famosos artistas del canto.

Manuel Álvarez-Beigbeder Pérez, nació en Jerez de la Frontera, Cádiz, España, en 1933, más conocido en el universo artístico musical como Manuel Alejandro. Se trata de un insigne compositor de temas esencialmente románticos, hijo del también compositor español Germán Álvarez-Beigbeder (1882-1968); hermano del empresario musical Germán Álvarez-Beigbeder hijo, (residente en Sevilla) y del también compositor David Beigbeder.

Desde muy joven comenzó a destacarse como compositor, arreglista, director de orquesta, productor e incluso vocalista solista. Casado en primeras nupcias con Helena Gómez Estrada tiene tres hijos: Javier, Carlos y Patricia. De su segundo matrimonio con Purificación Casas Romero tiene cuatro hijas: Sandra, Beatriz, Marian y Viviana. Conoció el éxito durante los años 60 como autor de las canciones más conocidas del cantante Raphael para el que compuso "Yo soy aquel", "Cuando tú no estás" , "Cierro mis ojos", “Digan lo que digan”, “Algo más…”, “Volveré a nacer”, Amor mío”, “En carne viva”, “Enamorado de la vida”, entre muchos otros éxitos.

A principios de los '70 fue conocido como el primer compositor del popular artista valenciano Nino Bravo, trágicamente desparecido, creando para él los temas "Como todos", "Es el viento", "No debo pensar en ti" y "Quién eres tú". También cosechó grandes éxitos en esa década en las voces de Julio Iglesias, con los temas “Lo mejor de tu vida y “Tevoy a dejar de querer”, entre otros artistas. En los años '80 y '90 compuso discos completos para: Rocìo Jurado (La más grande), Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Plácido Domingo, Hernaldo Zuñiga, Jose Luís Rodríguez “El Puma”, y Jeannette.

Uno de los principales exponentes de Manuel Alejandro, es Jose Jose, a quien le realizó dos discos: Secretos (de 1983 y uno de los más vendidos en latinoamérica) y Grandeza Mexicana (de 1994 y en el que el maestro jerezano canta a dúo con el "Príncipe de la Canción" el tema "José y Manuel"). Entre los éxitos interpretados por José José se encuentran "Será" , "El amar y el querer" , "Lo dudo" , "El amor acaba" y "He renunciado a ti".

También le ha compuesto obras completas a los mexicanos Emmanuel y Luís Miguel, con quien recientemente lanzó su última producción titulada “Cómplices” (y después del gran éxito del tema "Si te perdiera"). Como solista ha grabado 3 álbumes; uno en 1972 con la disquera RCA, y otros 2 con Ariola en 1973 y 1974.

Hizo dos recopilaciones de éxitos; una junto a Ana Magdalena (nombre artístico de Purificación Casas Romero) en un doble LP llamado Amor grande, Alejandro "El Grande" y mas recientemente, un CD titulado "Etiqueta Negra". En 1968 grabó un LP en Hispa-vox, con versiones instrumentales de los éxitos de Raphael y otro LP instrumental en 1969 con canciones al estilo barroco. Recibe el Premio de Honor en los Premios de la Música en 2008. Fuente: Wikipedia.

]]> http://carvis.wordpress.com/?p=50 Wed, 25 Jun 2008 03:46:35 +0000 carvis http://carvis.wordpress.com/?p=50

(fragmento de bolero)

Cuando estemos viejos
Yo te lo prometo, compañera mía
Serán nuestros años plenos de dulzura
Serán nuestras horas llenas de poesía
Andaremos juntos viejitos inquietos
Las cuatro estaciones de un mundo de nietos
Y veras mi vida que miente el espejo
Pues seremos novios cuando estemos viejos

...si-asa ca ne-am gandit sa ne facem gogosari in vama. saormareasa nu ma bag pentru ca:

1. n-o sa mai pot manca saorma veci pururi (dupa rationamentul "ti-e sila de gogosi? bagi o clatita. ti-e sila de saorma? bagi...")

2. se pot face mai multe glumite unsuroase cu o saormareasa decat cu o gogosereasa

3. am senzatia, la urma urmei, ca e o casta sexista asta. nu-mi amintesc sa fi vazut vreo gagica manuind spada aia pt saorma.

si-asa ca eu m-am anuntat pt dept de hr, la tejghea carevasazica, maic, pentru ca-si vrea salariul in gogosi, o sa fie gogosar sef (maic, asta se cheama cu alte cuvinte fauritorul de gogosi, artizanul cocai, fabricantul de vise umplute cu ciocolata, and so on)  iuliei (stie ea ce stie ), pentru ca inca nu si-a gasit vocatia in viata ca noi, ii recomand pozitia de reclama umana (far'de fair play), adicatelea stai la colt si furi clientii de la clatitarie.

si uite-asa au trait cei trei fericiti din iulie pana haaaaat in octombrie, sub ochii ingaduitori si catifelati ai carpetei de pe perete: . si pentru cei ce vin ca niste soareci obositi si sictiriti din orasul ala prafuit caruia, de la atata soare, gogosi, nisip si bune intentii, i se va uita numele pana in toamna, avem pusi deoparte langosii "aici se poate respira, nu-i asa?" si, ca desert, gogosile "zi ca n-ai pleca din bucuresti sa te-angajezi in vama".

fiecare crede despre celalalt ca glumeste da cand ne-om strange acolo o sa mai pun o poza de grup, cu disidentii de la bucuresti. deocamdata separat:

Miriam Makeba, es una cantante sudafricana, nacida en Johannesburgo el 4 de marzo de 1932. En esta oportunidad nos complace poder rendirle este pequeño homenaje a una gran figura de la canción africana, que se dio a conocer mundialmente con aquella melodía que tenía el singular titulo de “Pata-Pata”, que quizás en el idioma propio de la afamada artista presuntamente su significado expresaba algo más allá y más importante que esas particulares cuatro silabas. Esperamos que disfruten de una canción que causó verdadero furor sen antaño y que los que tenemos la edad suficiente podemos recordar con agrado y hacernos partícipes de una verdadera evocación de especiales momentos sucedidos en nuestras vidas.

Para el blog del bolero constituye un gran placer poder incorporar a esta singular artista al conjunto de grandes cantantes que hasta ahora conforman lo que hemos podido colocar en nuestros segmentos, y aunque sabemos que todo lo que hacemos está orientado hacia lo que es el bolero en sus diferentes expresiones y a la música romántica en general, nos pareció agradable y refrescante poder introducir a una cantante originaria del continente africano que en la década de los sesenta causó revuelo en toda América con su interesante canción “Pata-Pata”, hasta el punto de que con la misma melodía surgió un baile especifico que se escenificaba cuando se interpretaba esta pintoresca, agradable y singular melodía y las parejas procedían a bailar tan pegajoso ritmo.

Miriam Makeba, conocida como "Mama Afrika", fue una ferviente defensora de los Derechos Humanos y una incansable luchadora en contra del racismo en su tierra natal. Al principio fue cantante de blues americano, en la década de los cincuenta, mezclando ritmos tradicionales de su país. En África recibía muy pocas ganancias por sus grabaciones, así que tuvo que emigrar a Estados Unidos para continuar su carrera. Conocida mundialmente por la canción "Pata-Pata" en 1966, que fue todo un éxito y que tuvo repercusiones sin precedentes desde el punto de vista musical. En el año 2001, fue galardonada con el premio de la paz Otto Hahn, otorgado por la Asociación Alemana de la ONU. En 2002 fue galardonada con el Polar Music Prize que otorga la Real Academia Sueca de Música. Actualmente, continúa realizando shows y anuncia su futura despedida. Fuente: Wikipedia

]]> http://dantelorgu.wordpress.com/2008/06/22/4/ Sun, 22 Jun 2008 13:21:49 +0000 dantelorgu http://dantelorgu.wordpress.com/2008/06/22/4/

Omara Portuondo Peláez nació el 29 de octubre de 1930 en el barrio de Cayo Hueso de La Habana, su madre pertenecía a una familia española rica y se esperaba de ella un casamiento que la uniera a otras familias de la sociedad. En cambio, escapó con el hombre que amaba, un jugador de Baseball del equipo nacional cubano. Tuvieron tres hijas y como en cualquier hogar cubano había música. No tenían dinero pero, pero tenían las voces de los padres de Omara, cantando en la cocina donde hacían sus vidas diarias.

Ella recuerda sus canciones, incluida entre sus favoritas “La Bayamesa” de Ernesto Grenet y Sindo Garay (también cantada por Compay Segundo en Buena Vista Social Club). Estas fueron sus primeras lecciones informales de canto y dichas canciones permanecen en su repertorio hoy en día. Cuando su hermana Haydée se convirtió en bailarina del famoso club Tropicana, Omara Portuondo pronto la siguió, por accidente. La compañía de Ballet se vio reducida un día de 1945 cuando una bailarina se retiro dos días antes de una importante premier. Omara había visto ensayar a su hermana tan a menudo que se sabía todos los pasos y le pidieron que entrara en el ballet. “Era un cabaret muy chic, pero dije que era inadmisible”, recuerda Omara. “Era muy tímida y me daba vergüenza mostrar mis piernas”.

Su madre le dijo que no podía defraudarlos y así comenzó una carrera como bailarina, formando una sociedad famosa con el bailarín Rolando Espinosa. Hasta el día de hoy actúa en Tropicana, pero como una de sus cantantes estrellas. Los fines de semana Omara y Haydee cantaban Standard de Jazz americanos con algunos amigos: César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y el pianista Frank Emilio Flynn, se hacían llamar Loquibambla Swing y el estilo que tocaban (una versión cubanizada de la Bossa Nova con influencias del Jazz americano) se conoció como “feeling” o “filin” ( como a menudo se menciona en español ).

En su debut de radio Omara fue anunciada como Srta. Omara Brown, la novia del filin. “El nombre inglesado pronto fue olvidado, pero todavía muchos cubanos la conocen como “La Novia del Filin”. En 1950 fue integrante de la Orquesta Anacaona, y hacia 1952 Omara y Haydée formaban un cuarteto vocal femenino con Elena Burke y Moraima Secada, liderado por la pianista Aída Diestro. Se convirtieron en uno de los grupos más importantes de la historia musical cubana y Omara permaneció con el “Cuarteto las D´Aida” durante 15 años, aunque la formación original solo grabó un álbum para RCA Víctor en 1957, realizaron numerosas giras por América y los arreglos vocales de Aída eran muy innovadores y compartió escenarios con Edith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Morè.

Sirvieron como acompañantes de Nata King Cole cuando este se presentó en el Club Tropicana. Omara también conoció y compartió su arte con figuras como Ernesto Lecuona, Isolina Carrillo, Arsenio Riodrguez y otros. Su álbum debut en solitario fue “Magia negra”, apareció en 1959. En este álbum cruza música cubana y jazz e incluye versiones de “That Old Black Magic” y “Caravan” de Duke Elligton. Luego del lanzamiento de su álbum en solitario, permaneció con el grupo y dos años más tarde estaba con “Las D` Aida” cantando en un hotel de Miami cuando la crisis de los misiles cubanos causó la ruptura de las relaciones con América y comenzó un largo periodo de aislamiento de Cuba, volvieron inmediatamente a casa. Continúo con Las D`Aída hasta 1967.

Año en que comenzó a dedicarse finalmente a su carrera en solitario. Omara representaba a Cuba en festivales internacionales a la vez que mantenía su alto nivel también es Cuba. En los años 70 canto con el grupo top de charanga “Orquesta Aragòn”. Viajó intensamente, haciendo presentaciones en varios países como Francia, Japón, Bélgica, Finlandia y Suecia. Omara realizó muchas grabaciones a lo largo de las dos décadas siguientes; pero entre las mejores se encuentra un álbum que grabara con Adalberto Álvarez en 1984 y dos álbumes realizados para el sello español “Nubenegra”: “Palabras” y “Desafíos”. En el 2000 World Circuit, lanza “Buena Vista Social Club presenta...Omara Portuondo”, el tercer lanzamiento de la serie y un álbum que finalmente coloca su expresiva voz: al centro del escenario.

Omara grabó con una banda de ensueño que incluía a músicos del Buena Vista como Rubén Gonzáles, Orlando “Cachito” López, Manuel “Guajiro” Mirabal y Jesús Ramos, y además apariciones de artistas invitados como Elìades Ochoa, Compay Segundo, Manuel Garban e Ibrahim Ferrer. El álbum fue acogido con grandes elogios de la crítica, y condujo a Omara a una gira por todo el mundo en el 2000-2001 con sus compañeros del Buena Vista, ERubèn Gonzàlez e Ibrahim Ferrer, permitiendo así a todo una generación de fans, la oportunidad de ver en un concierto en vivo a este trío ilustre.El 2002 encuentra a Omara una vez más en la carretera con una extensa gira mundial en solitario, con numerosas fechas en Norteamerica y Europa. En Otoño del mismo año participa en le Festival de Jazz en Japón, en el cual comparte escenario con Michael Brecker, Herbie Hancock, John Patitucci, Wayne Shorter y Danilo Pérez.

En el 2003 participa de los festivales de verano en Europa, donde destaca en una increíble aparición en el One World Stage del legendario Festival inglés de Glastonbury. Ese mismo otoño continua la gira por Canadá y Estados Unidos junto a su banda de talentosos artistas. En septiembre del 2003 Omara regresa a los estudios de la EGREM para grabar lo que será su segundo disco solitario producido por World Circuit. Nick Gold se une a Alê Siquiera en las tareas de producción. Completan el grupo de producción las colaboraciones del aclamado injeniero Jerry Boys y el renombrado músico y arreglista cubano Demetrio Muñiz. “Flor de Amor” marca un cambio de dirección para Omara.

Este trabajo, su segundo álbum solitario, rebela una textura más enriquecida y el lado sutil de la voz de Omara, músicos cubanos combinados con una excelente selección de músicos brasileños dan al disco un sonido distinto. Omara realizó en 2004 exitosas giras en Europa, en mayo y junio ha realizado más de 45 shows presentando este álbum. Para ello ha contado con una banda con más de 16 músicos en escena. Entre ellos esta Alfred Thompson (Iralere), vocales como Estela Guzmán y Laura Flores del grupo vocal Gema 4. La vida de esta importante intérprete de la música cubana fue llevada al celuloide por el cineasta Fernando Pérez en el documental Omara. Y su país ha reconocido su bella carrera musical y su aporte a la cultura cubana con la Orden Félix Varela de Primer Grado, que otorga el Estado cubano.

Reiteramos que en el 2004 realizó el Tour Europeo de "Flor de Amor", que pasó por escenarios tan importantes como el Olimpia en Paris, Concertgebouw en Ámsterdam, Royal Festival Hall en Londres o la Filarmónica de Munich. En octubre de ese año participó en el concierto "tres mujeres tres voces" en El Zócalo de Ciudad de México junto a Oumou Sangare y Eugenia León. Luego fue invitada a grabar con Alejandro Sanz el bolero "Eso". "Flor de Amor" fue nominado al Premio Grammy en la categoría "Mejor Álbum Latino Tropical Tradicional', ganó el premio "Billboard Latin Music Awards" en la categoría "Tropical Album Of The Year, Female", y volvió a ser nominando a los Grammy Latino, en la categoría "Mejor Álbum Latino Tropical Tradicional'. En la actualidad Omara Portuondo continua haciendo presentaciones en Cuba, pero ya no con la periodicidad de los años de sus resonantes éxitos como interprete de la música romántica en particular Fuente: Wikipedia

]]> http://yllenetider.wordpress.com/?p=73 Thu, 19 Jun 2008 16:11:36 +0000 yllenetider http://yllenetider.wordpress.com/?p=73

Jag blev kär i denna bolero på en gång, precis när jag såg den för första gången! Då förstod jag att jag bara måste ha en sådan. Att bestämma vilken färg skulle den bli i var inte svårt heller - jag behövde något i varma bruna färgen för linbyxor, trots att originalets färg fortfarande kommer till mig i drömmar... Kanske borde jag sticka en till, fast på ett lite annat sätt - uppifrån och ner :-))

Jag kan inte säga att det var svårt att sticka denna bolero men jag lyckades att sticka om bakstycket en gång för att jag hade valt en fel storlek (jag har fortfarande S-storlek! och inte M som centimeterbandet har börjat visa på sistone :-)) . Sedan gick allt stickandet jättesmidigt och roligt, även vänster och höger framstycken visade sig vara lätt att sticka om man skriver ner alla ökningar/minskningar på ett papper och räknar varje varv och jag såg fram emot det roligaste - att sy ihop plagget och prova det för första gången!

Men det gick inte som jag hade förväntat mig: att montera ihop de små fem detaljerna tog mig nästan samma tid som att sticka dem! Det var sååå tråkigt så det tog mig två dagar att montera ihop dem :-/ Trissssst!... Men sen gick resten väldigt fort :-))

Idag fixade jag den sista biten - bandet! Jag stod i tygbutiken och kunde inte välja mellan två typer av band - chokladfärgad satinband och ljusbeige kapronband, så köpte jag både och.

Påbörjad: 11 juni 2008

Färdig: 17 juni 2008

Mönster: Bolero från Sticka romantiskt, modernt och kvinnligt by Lene Holme Samsø

Garn: Løve Garn Lima (38% lin, 31% bommull, 31% viskose; 204m/50g) 100gr

Stickor: 2,5 och 3,5

Nace el "negro" Víctor Piñero en el hogar de Don Pablo Julián Piñero, el 10 de Mayo de 1923 en la Parroquia San Juan, ciudad de Caracas, Venezuela, cuando su esposa Doña Guillermina Borges de Piñero le diera el segundo de sus siete hijos a quien bautizaron como Víctor Piñero y quien en el seno familiar apodarían cariñosamente como "El Negro Víctor" y que la posteridad le reservó el merecido titulo nobiliario de "El Rey del Merecumbé", cuando se transforma en una Nueva Estrella de la canciòn. Aunque desde temprana edad mostró gran interés por la música, de hecho, ya a los doce años daba sus pininos con una pequeña agrupación conformada con adolescentes de su barriada, donde también se le conoció cariñosamente entre sus amigos como "Arepa". El hallazgo de este diamante en bruto se le atribuye a Leonardo Pedroza, director de la recordada orquesta Leonard Melody, quien para el momento del encuentro dirigía la orquesta del programa radial "Cada minuto una estrella", que se transmitía en la caraqueña estación Radio Libertador. Por este programa desfilaron y se mostraron por vez primera aficionados que con el correr del tiempo lograron forjar su propia estrella y Víctor Piñero fue uno de éstos.

Para el año 1944 pasó a formar filas en la orquesta de Mañito por un breve lapso, para luego incorporarse a la orquesta Leonard Melody, donde se mantuvo hasta el momento en que se ve tentado por la orquesta de Los Hermanos Belisario donde se terminó de "pulir" como guarachero estrella y graba sus primeros éxitos. Por desavenencias entre los miembros de esta agrupación, la orquesta se disuelve y uno de los hermanos Belisario, Pedro J. Belisario decide armar su propia orquesta con "El negro Víctor" como figura principal. El éxito no se hizo esperar y pronto la orquesta trasciende las fronteras de su natal Venezuela. Con la Sonora Matancera. La voz, el sentimiento y la escena de Víctor Piñero son reclamadas desde La Habana para grabar con la prestigiosa Sonora Matancera. Al regresar a Venezuela, se incorpora a la Orquesta "Los Peniques", agrupación que para entonces gozaba de alta aceptación en las preferencias del venezolano, sin embargo otra sorpresa le esperaba, pues desde Colombia es convocado por Pacho Galán para que preste su voz para proyectar un nuevo ritmo en ciernes: "El Merecumbé". Este contagioso ritmo, mezcla de Merengue y Cumbia, nacido de las Costas del Atlántico colombiano, Víctor Piñero lo adopta para sí, imprimiéndole una particular energía en la interpretación que pronto le harían ganar en buena lid el título de "E l Rey del Merecumbé". Regresa una vez mas a su país y se une a la Sonora Caracas, popular agrupación de grata recordación, pero su alma de trotamundo le conduce a Puerto Rico para unirse al Combo de Rafael Cortijo. Otra breve pasantía y toma vuelo de regreso a sus raíces. Una vez en Caracas, se encuentra con Arnaldo Belisario (de la famosa familia Belisario), para quien graba algunos temas y luego se asimila a las filas de La Tremenda de Alberto Muñoz. A imponer el Ritmo. El 15 de Julio de 1958, Renato Capriles, hasta entonces publicista y admirador confeso de la trayectoria del maestro Billos Frometa (Orquesta la Billo`s Caracas Boy) decide fundar su propia orquesta, la cual por sugerencia del propio Maestro bautizó como "Los Melódicos". La orquesta nace con el slogan de "La orquesta que impone el ritmo en Venezuela", y para lograr su propuesta se hacen de los servicios de algunos de los mas reputados músicos locales y por supuesto que no podía faltar el nombre de Víctor Piñero, quien con su presencia aportaba a la orquesta personalidad, prestigio, experiencia y calidad. Con esta orquesta vive dos etapas, la primera en la que con su imagen le ayuda a posicionarse en el mercado musical venezolano y una segunda en la que contribuye al afianzamiento definitivo. Recién se habían celebrado las fiestas navideñas del año 1974, estrenábamos un nuevo año y en vísperas de las fiestas de los Santos Reyes Magos, el prestigioso Hotel Tamanaco se engalanaba aquel 04 de Enero de 1975 con la presencia de Los Melódicos y sus populares cantantes: Manolo Monterrey y Víctor Piñero "El Rey del Merecumbé". Un infarto fulminante cegaría la vida al Rey del Merecumbé, al gran Víctor Piñero. Fuente: Guasanco808